Pero “alguna cosa” es un sustantivo muy amplio, y es que hay más artistas que arte, debido a que con arte y engaño se vive medio año; y con engaño y arte la otra parte.
Así pues, vivimos un presente artístico donde parece valer todo, por lo que se reclama una revisión y análisis de dónde se encuentra el arte y hacia dónde va.

Éstas son algunas de las cuestiones que se plantea Aldo Iacobelli.
Un autor que dialoga con la pintura, con la intención de hallar respuestas sobre sí mismo y sobre la realidad intrínseca del arte.
Cada obra está sometida, indefectiblemente, a una serie de factores que condicionan su creación y vida.
Un ejemplo sería el modo en que la creación artística se ve determinantemente afectada por la temporalidad de su sentido conceptual. Iacobelli materializó su disertación introduciendo las pinturas en botes de conservas, capturando así la efímera livianidad de las obras de arte. De este modo, lanza una pregunta en la que cuestiona si el arte debe durar para siempre.

Y es que el arte hay momentos que impone su ley, como en el caso de las imágenes religiosas.

Pero este pintor australiano se revela ante la prepotente capacidad resolutiva, por la que nos imponen unos iconos inventados, representación divina de conceptos tan ambiguos como “el bien” y “el mal”. Así pues, reserva un espacio en blanco para la zona que correspondería al rostro, de modo que el espectador, imaginativamente, propondrá su particular visión de la cara.

Este autor también cuestiona la imposición del mensaje, ya que las obras son reflejo de un diálogo personal entre el artista y el medio, y por tanto no tiene porque ser comprendido ni compartido. Es tal su especticismo que, irónicamente describe su diferente y particular visión de las obras, antes, durante y después de crearlas.
Pero, su obra y la pintura en general, ha representado históricamente y sigue representando, una descripción sociológica. “Cada obra, es un haz del sol que gobierna en el tiempo, un grano de arena en el reloj de la vida que decanta su destino pasando a formar parte de La Historia”.   

Pero a este artista además del “tiempo”, le preocupa el “espacio” y el modo en que una obra interactúa con el mismo. Así mismo, reclama una llamada de atención ante el aspecto decorativo de la pintura y que generalmente se le niega.
Cada espacio domina la ejecución de su obra, puesto que los movimientos coartan y delimitan la mirada del espectador. Así pues, el espacio y la obra deben interactuar en simbiosis para conseguir que su mensaje se transmita con toda intensidad.
La intensidad que expresa cada uno de los pequeños surcos formados por el óleo.

Mediante una depurada técnica, va peinando el óleo en unos casos, o en otros saca el blanco del lienzo aplicando acuarela negra para mostrarnos las filigranas de un encaje. 
Pero este imaginativo artista es capaz de crear esculturas de conejos con la tradicional “cola de conejo” con la que se recubren los lienzos, de manera que la técnica no representa un impedimento sino un aliciente. 
En todas sus obras apreciamos una diestra y laboriosa ejecución.

Este pintor cuestiona el fondo y la forma de la pintura tal y como hiciera Duchamp. Además, como explica  José Luis Clemente: “Iacobelli se apropia, con ironía, de los mensajes de las pegatinas publicitarias que muestran una adhesión pública de amor a cualquier cosa. El lenguaje a modo de remedo conceptual, aparece también en obras como First Class, How is colours worth o Imageless, en las que Iacobelli reclama, no sin sarcasmos, la atención sobre los registros identificadores del color y sus propiedades simbólicas”.

Cada una de las disertaciones de Aldo Iacobelli no aclara dónde se encuentra “el arte” y hacia dónde va, sino que nos abre el campo de visión y permite la dinamización de la pintura. Con cada obra, nos ofrece la posibilidad de mirar de forma frontal, pero siempre distinta, al “arte”.