Nada de todo ésto es nuevo, desde los tiempos remotos de Hesíodo hasta hoy, las fluctuaciones del pensamiento estético han explorado casi infinitas variantes de intervención, ideologías y tendencias renovadas, revisadas o francamente nuevas que estructuran los fundamentos de la historia del oficio que practicamos e intentamos conocer mejor, para incidir en el proyecto de futuro que forjamos con nuestras acciones.

Las artes inmersas en las condiciones actuales se retuercen, se extienden, facilitando variantes numerosísimas en los contextos más cercanos o remotos. Me refiero a los países que ostentan la máxima autoridad económica y los menos favorecidos, con toda la escala de la entre ellos. Las más diversas posiciones conviven en pié de igualdad. Los medios de comunicación masiva, Internet, teatro, danza, música, diseño, publicidad, sistemas audiovisuales, arquitectura se yuxtaponen como soportes de estrategias artísticas diversas, algunas de índole marcadamente social, transmisoras de mensajes que subrayan determinados hechos y comportamientos políticos o sociológicos. El artista y la moral, o su ética, que se proyecta en sus actos, en sus compromisos con interpretaciones de la realidad más o menos dependientes de las ya escasas ideologías, en otros casos esa posición la considera como autónoma e implicada con la sabiduría estética, con la pura sensibilidad y la emoción de la vida y lo imaginario, el misterio de la existencia que trata de expresarse a través del arte.

La complejidad aumenta con la interacción de las diferentes culturas del mundo, más estudiadas y conocidas por una parte, sin embargo difícilmente comprendidas por otra. Artistas emblemáticos como Joseph Kosuth, On Kawara, o Lothar Baumgarten que realizan montajes estudiando e interpretando características, hechos, literaturas y pensamiento, autores de lo cotidiano en determinados países, ciudades y culturas de las tierras que visitan.

n este punto diría con los versos de Miguel Hernández: Por otra senda yo, por otra senda que no conduce al beso aunque es la hora, sino que merodea sin destino O esto quiero creer apelando a mi deriva en otros lugares que no son estrictamente los comunes lenguajes donde siempre es más confortable y seguro establecerse, lo artísticamente correcto, dicho sin mala intención.
Admito mi fascinación por el arte de las últimas décadas, las fotografías urbanas de Andreas Gursky, con su exaltada pictoricidad del tejido arquitectónico-industrial del entorno humano. Peter Fischli / David Weiss, una cantata de J.S. Bach a lo más fútil de lo cotidiano. Günther Förg, Katharina Fritsch, Robert Goberspor decir algunos nombres que no los ordeno de ninguna manera, hay muchos que me interesan, algunos en mayor medida.
Podemos seguir más de un centenar de artistas internacionales de alto nivel, que llenan cíclicamente las mejores salas de los museos, galerías prestigiosas, bienales, la Documenta de Kassel, espacios alternativos, catálogos, publicaciones etc. Pero me ocurre algo quizás extraño, es como un conjunto, donde todos se muestran al mismo nivel, considerablemente alto, pero aún cuando utilizan técnicas, materiales, contenidos muy dispares, el resultado me interesa o estimula por igual, cada una de sus posiciones se me aparecen como partes constituyentes y necesarias de un mismo gran cuadro, que no estaría acabado si faltara la obra de alguno de estos artistas. Quizás lo que acabo de decir sea un lugar habitual, como realizador no pretendo disminuir la intensidad de la obra citada, es posible que de alguna forma todos y cada uno de los que nos dedicamos a este oficio consideremos a los demás como un bloque más o menos borroso ya que naturalmente es nuestra propia obra el centro de máxima atención.

El hecho de encontrar constantes en las aparentemente diversas imágenes, es posible que admitan una reflexión desde lo más profundo del conocimiento de las fenomenología de la expresión en la plástica. Por ejemplo, a veces ensayo el análisis de los elementos que establecen algunas relaciones tanto ordenadoras de complejos sinergéticamente relacionables, (en el sentido que le daba Buckminster Fuller “Synergy means behavior of whole systems unpredicted by the behavior of their parts taken separately”) así como los intervalos o “vacíos” si consideramos el espacio, en la continuidad sin fisuras de una composición exacta y emocionante. Me refiero a una dialéctica de puros elementos expresivos que deben redescubrirse, contrariamente o mejor, después del intencional rechazo posmodernista de la maestría. No voy a deducir que el interés de una obra dependa en gran parte de su técnica o metodología, como en un momento nos preguntábamos en los años sesenta en el grupo “Antes del arte”, o la misma cuestión que hacía Rosalind Krauss en el comienzo de la introducción a su colección de ensayos [The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Mythths] escritos entre 1976 y 1984, “Can it be argued that the interest of critical writings lies almost entirely in its methods?” Y ésto sin descartar las propuestas tan caras al siglo pasado, recordemos el XX, de intentar transformar el arte en una arena de acción política y social, como preconizaban T.J. Clark y Walter Benjamin.

Actualmente y, volviendo a la cuestión propia, ¿dónde me encuentro? Después de una exposición retrospectiva, 1966-1999, (IVAM, diciembre - febrero) y que los últimos dos años presentaban en cierto modo una línea iniciática en la que debo profundizar, quizás preguntándome menos y realizando más. Constato mi pertenencia a una época, mis maestros fueron los constructivistas y especialmente la pintura americana de los años cincuenta y sesenta. He practicado desde entonces una abstracción que alguien denominó “constructivismo lírico”, estudié con ahínco complejos sistemas de representación multidimensionales... Pero ahora vuelvo a Rilke y a Susan Sontag [Estética del Silencio] a Cage y a la pintura china, al vacío activo, a la nada y lo transfinito. También la magia, la extraña fluidez de lo finalmente incomprensible, que puede ser todo. No sé si es una postura cómoda o edénica, pero confieso que pintar, ininterrumpidamente durante ya casi cuarenta años, y mirando hacia atrás “sin ira” no ha sido, ni espero que sea, nada confortable, pero sí apasionante. Y releyendo lo que acabo de escribir, no dejo de pensar en las palabras de un poema de Borges, “Las vanas arengas de los vanos generales”.

Acompaño este texto minimal con unas fotografías de los cuadros que conformaban el montaje en la sala final, ya en el recuerdo, de la exposición antes citada en el museo de Valencia y que supongo es el comienzo de otra serie más intensa en la experimentación de nuevos y vastos espacios, quizás no transitados, como el haiku de Matsuo Bashoo: “El camino / ya nadie lo recorre / sólo el crepúsculo”.